Luis González2013-06-18T23:11:58-04:00Luis Gonzálezhttp://www.huffingtonpost.es/author/index.php?author=luis-gonzalezCopyright 2008, HuffingtonPost.com, Inc.HuffingtonPost Blogger Feed for Luis GonzálezGood old fashioned elbow grease.Un país bajo la nieblatag:www.huffingtonpost.com,2013:/theblog//3.31303182013-05-02T02:55:43-04:002013-05-02T01:56:59-04:00Luis Gonzálezhttp://www.huffingtonpost.com/luis-gonzalez/
Ibán Ramón nos descubre sus 'Spanish Typographic Landscapes'
El paisaje en fotografía puede ser una mera exaltación de la belleza natural, un reflejo pálido o vibrante del mundo que nos rodea. Pero más allá de las apariencias, el paisaje nos puede brindar segundas lecturas, ilustrar ideas y ayudarnos a interpretar y conocer el mundo más allá de la mera representación.
Esta es la senda que viene recorriendo desde hace tiempo el diseñador y fotógrafo Ibán Ramón, que busca espacios cercanos, reconociblemente españoles, y con cierto aire de abandono o decadencia. Donde otros sólo verían un bar de carretera en medio de ninguna parte, Ibán ve la inefable huella del hombre en la tierra, su poder para cambiar el paisaje, su falta de memoria para dejarlo como lo encontró. En definitiva, su afán por transformar su entorno y escasa capacidad para mantener esas transformaciones a largo plazo.
Se acerca a gasolineras abandonadas, vallas publicitarias que no anuncian nada, canchas de baloncesto abandonadas en lugares inhóspitos, bares y clubes de carretera... y todo bajo un cielo blanquecino, un manto de niebla que todo lo cubre, creando una atmósfera extraña, de calma postapocalíptica. En estos paisajes nos muestra un país anacrónico, decadente, en estado de abandono. Y lo cierto es que el tema central que atraviesa su obra, un work in progress, lejos de agotarse le brindará infinitas oportunidades en el futuro. No le faltarán cerca de su ciudad decenas de urbanizaciones abandonadas, hoteles fantasmales, aeropuertos vacíos, ciudades de la luz a oscuras...
En sus retratos, Ibán Ramón se muestra sobrio y elegante, dejando que el entorno -de nuevo el paisaje- arrope al niño, a la mujer o al hombre, que el viento agite los cabellos, que la niebla invada el fondo, filtre la luz y aplaque en parte la intensidad con la que suele brillar en Valencia. La coherencia es inherente a su obra, sea retrato (con sus hipnóticas lagunas y pausas) o paisaje y no es difícil reconocer su mirada entre el ruido y la sobreabundancia fotográfica de redes como Flickr. Para los que prefieran alejarse de la pantalla y adentrarse en su niebla, se puede visitar hasta el 25 de mayo la exposición Pièce de resistance/The Landscape in his Mind en la galería Set Espai d'Art de Valencia.
Ibán Ramón (Valencia, 1969)
Ibán Ramón es un reconocido diseñador con varios galardones a sus espaldas y una intensa actividad que incluye exposiciones, talleres, conferencias y jurados internacionales.
En solitario fundó Estudio Ibán Ramón en 2001, hasta iniciar una nueva andadura en este campo junto a Didac Ballester en 2012. Paralelamente, lejos del ámbito profesional, realiza diferentes series de fotografías que muestra de manera asidua en Flickr y en su propia web. Algunas de las señas de identidad de sus creaciones para el diseño, como la pureza y simplicidad de formas o su capacidad de síntesis, forman parte también de su obra fotográfica.
El rostro humano es un mapa físico que va registrando las huellas del pasado y que es capaz de contar historias con sólo mirar su superficie. Nos lo muestra Lee Jeffries en cada fotografía. Su trabajo puede considerarse como el de un narrador, con la particularidad de que cuenta grandes dramas en un solo plano, con una imagen fija. Cada uno de sus retratos se podría describir como una biografía compleja y sin palabras.
Su estudio está en la calle, donde busca entre los mendigos, los yonkis, los desheredados de una sociedad que convierte en fantasmas a los que no hacen pactos con ella. Son invisibles para la mayoría y deambulan sin rumbo, sin familia, sin residencia, ni destino por las calles de las grandes ciudades.
Y en los reductos de la marginalidad busca una mirada, un brillo especial en los ojos, un rostro, alguien que pueda mostrar su biografía de una manera directa, sincera y conmovedora. Por eso sus retratos son frontales, muy cercanos al retratado. Deja que la persona mire a cámara y nos cuente su historia a través de sus de sus cicatrices, de sus arrugas, de sus ojos infinitos, nítidos y claros.
A menudo, sus retratos son un puñetazo lanzado directamente contra nuestra indiferencia cotidiana. Aquí vemos a Latoria, a la que encontró vagando por las calles de Miami. Latoria, con su ojo cerrado hace su viaje a otros mundos que la hagan escapar de este, mientras abre su otro ojo para mantener el contacto con el mundo real y mirarnos. Es infinitamente más joven de lo que parece, pero por sus marcas y expresión podría haber vivido ya seis vidas y media.
Éste no ha sido el único rostro de Latoria que Lee nos ha mostrado. En otras imágenes pone al descubierto la desesperación, el abatimiento y la tristeza de esta mujer aniquilada por la vida y el crack.
Sus figuras parecen surgir de entre las sombras, como si escapasen por un segundo de las tinieblas en las que viven para mostrarnos su mirada. Y en ocasiones, la luz, el punto de vista y el tratamiento de la imagen aportan a sus imágenes una cualidad pictórica cercana al tenebrismo, con ese violento contraste entre luces y sombras. Aunque no sea el caso aquí, la dimensión humana y la dignidad que nos muestran sus retratados, unido a la luz y la extraordinaria nitidez, hacen que parezcan esculturas talladas a mano.
Lee Jeffries (Bolton, Lancashire, Inglaterra, 1971)
Es casi una leyenda en las redes de fotografía como flickr o 500px. Sus imágenes cuentan con decenas de miles de visitas y son legión los que ven con asombro cada nuevo retrato. No es para menos. Es habitual ver imágenes robadas de mendigos tomadas con teleobjetivo y sin consentimiento previo, pero el trabajo de Lee es justo el contrario. Sus retratos son íntimos, cercanos, realizados tras un trabajo previo de conocimiento y profundo respeto. La crudeza de los retratos no está exenta de estilización y de un halo de dignidad y de misterio.
El encuentro con una joven sin techo en las calles de Londres cambió su manera de ver e interpretar el mundo a través de la fotografía. Hasta entonces se había movido en el ámbito de la foto deportiva, en la ciudad futbolística por excelencia, Manchester. Aquel fue el inicio de una larga serie de retratos que llega hasta nuestros días. En la actualidad trabaja en un proyecto del cineasta Terrence Malick, una prolongación del tema central que recorre su obra reciente.
Frente al fotógrafo fanático de la técnica, obsesionado con las mejores lentes, cámaras o flashes, con los accesorios más sofisticados, otros solo precisan de una cámara sencilla, de un kit de lentes básico y de escasos medios para explorar y convertir lo que miran a través de su visor en arte. Así es Jonè Reed: la máxima expresividad con los medios justos.
Tampoco necesita modelos, grandes paisajes o viajes, porque lo que captura es su universo más cercano, su casa, su familia y ella misma en decenas de autorretratos en los que se muestra sin velos. Utiliza las limitaciones, lo que otros calificarían de imperfecciones técnicas, como recurso expresivo. El grano, el movimiento, el desenfoque, el fuerte contraste son en sus imágenes un valor añadido y una seña de identidad.
En este autorretrato hipnótico y fascinante la vemos con un sólo ojo, una combinación enigmática de retrato cubista y de mirada de cíclope. La atmósfera está cargada de misterio, de enigma, como si algo extraño e inaprensible estuviese sucediendo en ese lugar. Ese ojo se dirige directamente a nosotros, a los que miramos, en un juego de voyeurismo que envuelve a la fotógrafa y al observador. Los rasgos se difuminan y confunden, su ojo izquierdo se borra y el derecho cambia de posición... y sin embargo no estamos ante un monstruo, sino frente a una representación distorsionada y perturbadora de la belleza.
Sus retratos son desasosegantes, oscuros y poderosos. Es heterodoxa, no se atiene a un estilo en concreto, y sin embargo, es fácilmente reconocible. Un paseo por su galería nos lleva del retrato íntimo en interiores a las fotos de calle, del blanco y negro contrastado y con poca luz a fotos callejeras y paisajes urbanos, del retrato con aroma a vanguardias al detalle íntimo. Este crisol de imágenes, aparentemente dispersas, está unido por el hilo invisible de su mirada, un punto de vista personal que la lleva a acercarse a la apariencia de las cosas hasta llegar a su esencia.
Jonè Reed (Kaunas, Lituania, 1980)
Nacida en Kaunas, ha viajado por todo el mundo hasta recalar en Londres. Más que una fotógrafa, se considera una autorretratista que ha hecho de la búsqueda de sí misma su principal tema fotográfico. Muestra escenas de soledad, absurdo, desarraigo y melancolía: "las sombras que cruzan nuestros rostros". Se mueve en un terreno ambiguo, entre la realidad y el sueño, entre la escena cotidiana y la representación fantástica. La fotografía digital le proporciona la posibilidad de reflejar de manera inmediata sus ideas y estados de ánimo sin necesidad de salir de casa.
La fotografía siempre ha tenido una capacidad simbólica más poderosa que cualquier otra forma de representación. Desde su aparición, momentos históricos determinantes han contado casi siempre con una fotografía que ha sintetizado un acontecimiento, una guerra, una revolución... y también una crisis. El miliciano cayendo de Robert Capa queda en la memoria colectiva como la imagen que sintetiza la guerra civil española. Aquella bandera norteamericana en la colina de Iwo Jima levantada por varios soldados, obra de Joe Rosenthal, es la esencia de la segunda guerra mundial. Poco importa que las imágenes fueran espontáneas, repetidas, recreadas o parte de una ficción. Su poder simbólico se ha grabado a fuego en el imaginario colectivo y eso es más real para nosotros que los propios hechos.
Buscaba desde hace tiempo esa imagen que sintetizara esta etapa tan triste de la historia de nuestro país, esa representación simbólica de la crisis y sus devastadores efectos en una sociedad que empieza a mostrar signos de agotamiento. No la encontraba en los cientos de imágenes que hemos podido ver de las manifestaciones ni en las fotos que muestran a los ministros o al presidente, ya sea en ruedas de prensa o caminando puro en mano por las calles de Nueva York. No daba con una imagen representativa, poderosa y compleja que retratase al ciudadano anónimo y que fuese un reflejo del momento de abatimiento generalizado del país. La tenía tan cerca que no era capaz de verla.
A primera vista se trata de una buena foto en blanco y negro, bien procesada, con una composición equilibrada. Pero una lectura más atenta, la que nos lleva del momento casi inconsciente de ver al proceso reflexivo de observar, mostraba todos los elementos simbólicos que hasta ahora no encontraba en las imágenes de la prensa diaria. Lo primero que me llamó la atención es la presencia de las palabras Banco de España, que para los que viajamos en metro es una parada, pero que en este caso es mucho más. Y bajo ese cartel de estación de metro, que se encuentra a pocos metros de los depósitos de ese supervisor del sistema bancario que es el Banco de España, con lo que representa, una mujer que no reconocemos, que podría ser cualquiera de nosotros, permanece sentada, abatida, con gesto y pose de derrota.
Gesto no muy lejano del que le queda al timado por una pandilla de trileros. A esta mujer, al ciudadano anónimo, le tendieron una trampa, movieron muy rápido los cubiletes, le hicieron creer que su trabajo estaba debajo del de la izquierda, que su casa estaba debajo del vaso del centro, que su vida estaba a salvo bajo el de la derecha. Pero cuando uno juega contra la banca, ya se sabe, siempre sale perdiendo. La banca siempre gana, aunque parezca, como es el caso, que está perdiendo.
En esta mujer sentada encontré al ciudadano medio al que aludía nuestro presidente estos días, al que no acude a las manifestaciones y acata las decisiones del gobierno con sumisión. Y ese individuo que, de alguna manera, somos todos (o casi), efectivamente no protesta, no se manifiesta... simplemente está grogui, casi noqueado, huele la derrota y no le queda fuerza para revolverse, para lanzar un último puñetazo.
Confundir esta inacción con el aplauso o con el apoyo silencioso y responsable a unas decisiones que le van a hundir un poco más en su triste realidad es un error grave. Porque ese ciudadano no está apoyando o suscribiendo ninguna decisión con su silencio. Simplemente está entregado a la derrota. En algunas películas hemos visto que en el último segundo, antes de sonar la campana, con la última gota de dignidad, el boxeador a punto de besar la lona saca una izquierda que tumba al contrincante, siempre más fuerte, cargado de arrogancia. Ya sé, esas cosas pasan sólo en la ficción. Pero como ocurre en esas imágenes simbólicas que han retratado y fijado una época, aún siendo ficción, se han terminado convirtiendo en un recuerdo vívido y real. Si ese momento se produce, la imagen de la crisis para la memoria será bien distinta. Pero de momento, pocas imágenes reflejan mejor el momento actual que esta imagen de abatimiento y soledad.
Alfonso González (Alcalá de Henares, 1966)
Después de una trayectoria de más de 15 años como profesional, simultaneando foto de moda y retrato para diferentes publicaciones, deja la fotografía. Antes, conoce el oficio por dentro trabajando en dos estudios de fotografía de moda, uno en Madrid (Ciclorama) y otro en París (Daylight Studios). Miguel Oriola o Javier Vallhonrat están entre sus mentores o maestros.
Como tantos otros fotógrafos que han dejado el oficio por la crisis que afecta al sector o por el propio desgaste que conlleva el mundo de la foto profesional, no la abandona del todo. Una vez que se aprende a mirar la vida a través de un visor, uno no deja de seleccionar fragmentos de realidad, de encuadrar y de captar escenas, aunque no tenga una cámara en las manos. Con la ayuda de un iphone comienza de nuevo a observar el mundo que le rodea. Y lo hace ahora libre de presiones, de intermediarios y de fechas. Desde esa nueva libertad, ahora ya con su Leica, comienza a realizar una serie de imágenes de su entorno cercano, convirtiéndose en una especie de cronista gráfico que observa improvisadas escenas cotidianas del centro de Madrid, entre la curiosidad y el costumbrismo.
Hay fotógrafos metódicos que dedican a cada composición horas y que crean una imagen controlando cada uno de los detalles de la luz y la composición. En el lado opuesto, los hay que salen armados con sus cámaras, hambrientos de imágenes, como un cazador en busca de presa. No saben dónde ni cuándo encontrarán esa imagen, no conocen el lugar, la luz, el 'modelo'. Pero en un momento dado se toparán con él y dispararán sin dudarlo, sintiendo el riesgo y la emoción de convertirse en cazador cazado.
A esa estirpe de fotógrafos francotiradores, viscerales, arriesgados y de mirada rápida y certera pertenece Billy Gomez. Se ha convertido en un testigo creativo y activo de las calles de Seúl. Sus habitantes son el motor de su obra, con sus prisas, rutinas, abatimientos y soledades grabadas en el rostro. El metro, el tren o las calles son sus escenarios habituales. Como en esta imagen, las personas que fotografía están solas, abstraídas, y con expresión de derrota, como si estuvieran presos de una vida que no es la que habían soñado. Miran por las ventanas para escapar con la imaginación, pero lo que ven a través del cristal son otros seres solitarios y perdidos como ellos.
Billy es consciente de que con su cámara va a robar instantes tristes e íntimos en lugares públicos sin permiso previo, y eso tiene sus riesgos. Pero también eso convierte el momento del disparo en algo emocionante, imprevisible y turbador. Con su voyeurismo sensible y lírico va convirtiendo en arte todo lo que mira.
Sus fotografías están tratadas para potenciar el aislamiento de los seres humanos que retrata. Viñeteando la imagen, oscureciendo los bordes, los retratados terminan rodeados de sombras. Con su cámara inmortaliza a esos habitantes tristes y su voyeurismo tiene algo de taxidermia de hombres y mujeres anónimos.
Billy Gomez (Los Ángeles, 1971)
De origen norteamericano, en 2005 se traslada a Seúl para enseñar inglés. Su trabajo le deja mucho tiempo libre y pronto decide emplearlo en hacer fotos. Tras unos primeros años de tanteo, de experimentación y búsqueda, va definiendo su estilo, una combinación de voyeurismo y retrato espontáneo. El resultado es una radiografía lúcida y triste de una ciudad, Seúl, y de sus habitantes.
Con un tele, un 50mm y, últimamente, con un Iphone que le hace pasar desapercibido, se lanza a las calles en busca de la luz y el momento perfectos. No poder controlar la luz como en un estudio hace que los procesos de posproducción sean más laboriosos. La búsqueda de la luz adecuada es ahora una de las prioridades de este poeta visual de las calles de Seúl, de este cazador de luces y, sobre todo, de sombras.
Algunos fotógrafos centran toda su atención en algo muy concreto, y lo van siguiendo, rodeando, mostrando, interpretando y reinventando en cada imagen, dando forma a un inacabable puzzle que da forma a su propia vida. Toda su obra gira en torno a un tema, y van extendiendo sus fronteras a pasos cortos, sin alejarse de aquello que da coherencia y sentido a su trabajo. Algo así se puede adivinar en la obra fotográfica de Alain Laboile, un escultor francés que se acerca a la fotografía retratando su entorno más cercano, su propia cotidianidad y, sobre todo, el día a día de sus seis hijos, omnipresentes en su obra (incluido, como se puede ver, su autorretrato).
Llega a la imagen fija por su interés por los insectos, así que el macro es su primera parada. Pero pronto descubre un tema, su tema, que desarrolla con pasión y sin descanso. Pasa del microcosmos de los insectos a un cosmos algo mayor, el de la familia y su hábitat natural, una casa en el campo y sus alrededores. Y así comienza una galería de imágenes que sorprenden por la naturalidad con la que los niños se desenvuelven, donde la idea de libertad se transmite sin mediaciones, donde los niños juegan, campan por un territorio que les pertenece, se divierten, descubren el mundo sin reglas ni jerarquías aparentes, descalzos, desnudos, libres. Las fotografías nos remiten a un estado primitivo, parecen un estudio antropológico de una tribu infantil que crece en armonía con su entorno, alejada de la tecnología, de las normas y de los espacios cerrados.
Redescubrimos el paraíso perdido, que se nos muestra con una pureza y transparencia sin límites, sin recreaciones almibaradas, sin idealizar ni manipular el proceso del crecimiento, sin falsas poses ni sonrisas forzadas. Y entramos en un mundo de juegos sin límites, donde en cualquier momento lo real se mezcla con la fantasía de un niño. En esta imagen, donde el movimiento y la falta de nitidez ayudan a multiplicar su magia, vemos que todo es posible en el territorio de la imaginación: un niño parece atacado por un pequeño brujo que vuela en su escoba con la barita mágica en su mano, mientras una niña permanece sentada en la escalera, contemplando impasible la escena. Como nosotros...
Alain reparte su tiempo entre la escultura y la fotografía. Su trabajo con la escultura le exige un compromiso físico en el que tiene que soldar, cortar metales, hacer ruido y enfrentarse a las limitaciones de los propios materiales que intenta moldear o modificar. Se trata de hacer un largo viaje físico hasta llegar a representar una imagen mental. La fotografía parece la antítesis de ese proceso. En la foto trata de apoderarse de lo que ocurre a su alrededor de manera espontánea, inmediata, sin un control total del resultado final.
Descubre la fotografía en 2004. Durante tres años fotografía insectos, hasta que poco a poco comienza a retratar a la familia. Participando en varios concursos va consiguiendo su equipo fotográfico. Fascinado por la fotografía de calle, pero apartado y viviendo en el campo, vuelca esa fascinación en sus hijos y su entorno, conservando de la fotografía callejera el gusto por captar situaciones espontáneas.
Sus imágenes se han convertido en su propio diario. Basta con mirar a sus hijos y dejarse llevar por su creatividad: cuando las cosas suceden en su visor, sólo tiene que disparar. Así de fácil lo ve Alain, aunque sus retratos son una isla exótica y bella en el océano de fotografías familiares que navegan cada día por la red.
Sus retratos son así: emotivos, intensos y dramáticos. El alma de sus retratados queda al desnudo, como sus rostros. Les va quitando los velos de la apariencia, del saber estar, del pudor, y va dejando a la persona sin ninguna máscara donde esconderse. Así logra que sus imágenes rezumen dolor, angustia, locura, desgarro...
Las huellas de su pasado en el mundo de la moda son casi imperceptibles, aunque están ahí, en su manejo de la luz y la técnica, en su versatilidad. Y sin embargo su trabajo parece lo opuesto del esteticismo de las revistas de moda. Sus retratos parecen testimonios de un momento único y real, no recreado.
En este retrato, como en tantos otros de Walker, la belleza de los rasgos no oculta un dolor a flor de piel. No trata de embellecer a la mujer, sino de buscar y mostrar su lado oculto. Y a pesar de todo el milagro se produce y termina multiplicando su belleza. El negro enmarca los ojos y llena de sombras el pelo y parte de su rostro. El grano casi se puede tocar, dando una textura de otro tiempo. Y esos pequeños brillos en las pupilas añaden un punto de emoción e intensidad a una mirada que taladra la pantalla. Cuidado con mirarla mucho tiempo: duele.
Brett Walker (Blackburn, Inglaterra, 1962)
La trayectoria de Brett Walker es meteórica, sorprendente e imprevisible. A los 18 años ya vive de la fotografía en Londres, a los 22 es el único fotógrafo europeo de moda de Tokyo. Vive los ochenta dedicado de lleno a la foto de moda, hasta que, hastiado de la frivolidad de un mundo que le es ajeno, sacudido por su propia conciencia ética, comienza a recorrer el mundo como marino mercante, viviendo en lugares como Angola, Bangkok o Brasil y trabajando con niños de la calle. No se pudo alejar más del mundo de la moda, aunque no rompió del todo con la fotografía. Cuando retoma la actividad, con el nuevo milenio, se olvida del cuarto oscuro y de la vieja alquimia y profundiza en la inmediatez de la Polaroid primero, y del digital después. Con su enorme bagaje ya no busca inspiración en el pasado sino en la frescura y desinhibición de los jóvenes fotógrafos. Preguntado por qué recomienda a los que empiezan, hace una declaración de principios: "Disparar hasta que sus dedos sangren".
No estamos acostumbrados a ver su Hong Kong. La ciudad que Jonathan van Smit retrata está muy alejada de la vanguardia tecnológica, los rascacielos y la superpoblación. Con su Leica en mano patea los bajos fondos de Kowloon y parece como si la ciudad que Wong Kar Wai muestra en estilizados y aterciopelados rojos hubiese perdido el color y la elegancia, como si todo se hubiese teñido de negro y gris oscuro.
Las miradas de las prostitutas, de los vagabundos y de los vampiros de la noche están llenas de desolación. Las escenarios son sucios, oscuros y sórdidos. El fuerte contraste y el gran angular convierten estas escenas tristes en intensos dramas, esbozos de historias que la imaginación puede completar sin esfuerzo. Aquí, la mujer cierra los ojos y aterra pensar lo que estará viendo en su interior, las imágenes que estará proyectando en su cerebro. Entre la suciedad, su vestido blanco parece tener luz propia.
Sus fotografías son así, un antídoto contra la indiferencia y un golpe seco en la mirada del espectador poco acostumbrado a las emociones fuertes. El aburrimiento, la rutina, la desolación y el dolor se pasean por estas malas calles sin medias tintas, sin edulcorantes, sin suaves grises. Y ahí está Jonathan, con el don de la ubicuidad, para dar fe de ello.
Jonathan van Smit (Nueva Zelanda, 1949)
Su pasión por la fotografía se despierta en la adolescencia, pero no es hasta la llegada del digital cuando se convierte en obsesión. No encuentra en su paradisiaca Nueva Zelanda natal nada que le motive a disparar. Demasiada belleza. Pero en 2008 se traslada a Hong Kong y es allí, en sus calles, en sus noches, donde encuentra su hábitat natural. Fotógrafo compulsivo, en sus fines de semana camina durante quince horas (más en ocasiones) en busca de las imágenes que le obsesionan y dispara cerca de cuatrocientas veces, siempre con angulares que le obligan a acercarse a menos de un metro y medio de la escena. Así nos envuelve en sus imágenes y, sin darnos cuenta, terminamos formando parte de ellas y preguntándonos qué hacemos ahí.
Puedes encontrar su trabajo en Flickr, en su Web , o en Vimeo.
La fotografía se ha convertido en el gran enemigo de la intimidad. Ya no quedan lugares secretos, la intimidad apenas existe y nunca sabes cuándo alguien puede estar robándote el alma. Pero la fotografía es también el arte de mirar y de captar la mirada. Incluso el arte de romper con la intimidad, de traspasar la frontera, de entrar en la mirada ajena. Y eso, en ocasiones, provoca instantes mágicos en los que el espectador puede formar parte de una escena cotidiana, íntima.
Y eso es lo que hacemos aquí, entrar donde nadie nos llama, mirar a través de una ventana. La mirada de Iza parece querer espantar a los curiosos que la observan, a ella y a Mary. Las vemos protegidas por el cristal, resguardadas del invierno que se deja ver en esos árboles reflejados, sin hojas y de tonos azules. Se sienten observadas e Iza nos devuelve una mirada desafiante.
Entre ellas que miran y los que miramos está Gosia, que lleva tiempo contemplándolas como quien se sienta a ver crecer un árbol, retratándolas con cercanía y respeto, delicadeza y complicidad, como miraba Antonio López aquel membrillo, intentado capturar la luz y el paso del tiempo en una imagen.
Gosia Janik (Częstochowa, Polonia, 1978)
Gosia es retrato. Su secreto, "entrar sin llamar y salir sin molestar". En sus imágenes, las miradas son luminosas, nítidas, especiales. Es la fotógrafa de los mundos propios y el brillo interior. Sus autorretratos nos dejan ver a una tímida que cambia las palabras por las instantáneas, aunque esconde un sutil sentido del humor (ver sus fotos haciendo yoga).
En su trabajo no se puede hablar de blanco y negro, sepia o color, sino de tonos Gosia, unos virados sutiles que recuerdan a los procesos químicos de la vieja escuela. Se trajo una impecable técnica de Polonia, aunque lleva tiempo dejándose llevar por la luz de Madrid.
Para lograr esas miradas serenas, cercanas y profundas utiliza luz natural, sin flashes. En su perfil se define como "Fotógrafa de bodas, sesiones y eventos en todo el mundo". Pero esta etiqueta no le hace justicia. Gosia es, sencilla y complejamente, fotógrafa.
Es el paisaje después de la batalla. Gracias a la escrupulosa defensa de la privacidad del voto, las cabinas en un día electoral francés no son atrezzo, como estamos acostumbrados a ver, sino parte de un ritual obligado que simboliza el carácter privado y sagrado del acto de votar. Emmanuelle Brisson, que acostumbra a fijarse en el detalle sutil , dotada para captar lo inaprensible, se queda en este caso con el espacio sin acción, sin persona, apenas unas sillas descolocadas, un aula vacía, esas cabinas con sus cortinas recogidas y una mano furtiva que se cuela sin querer. No es difícil notar el silencio del momento, y los pasos y palabras susurradas de unos momentos antes. Termina una agotadora campaña. Es la antesala de la celebración del cambio, de la escenificación de la esperanza. El tiempo de la decepción, casi siempre implacable, todavía está lejos. Ahora solo es el momento para la crónica de una victoria esperada.
Emmanuelle Brisson (Niort, Francia, 1968).
Aunque aquí nos descubre una faceta de cronista gráfica, de observadora de un momento histórico y esperado, sus trabajos suelen llevarnos por otros caminos, los de la intimidad, la persona y su piel. Retratos que en ocasiones esconden la mirada y nos acercan a un pequeño detalle del cuerpo, a una mano, un roce o una caricia. Todo empezó con ocho años, en una fiesta escolar, cuando gana una cámara de plástico que cambiaría su vida: una mítica Diana F. Desde entonces, su relación con la fotografía ha ido ampliándose, inspirada por los pintores alemanes del renacimiento, de los que toma su forma representar la piel y la luz.
