'Salome', ¿te referías a esto Chalamet?

Poco antes de la entrega de los Oscar de este año, Timothée Chalamet, actor nominado al premio a mejor actor, se preguntaba en una entrevista por qué había que mantener géneros como la danza y la ópera que no le importan a nadie. Y el sector y la afición le respondieron con videos, declaraciones institucionales y memes por aquí y por allá, declarando lo mucho que importan.

¿Tuvieron algún impacto estos videos? Más allá de satisfacer a quien respondió y/o a su bancada, y el debate público que se generó, quién lo sabe. Lo que parece ser cierto es que esa idea se extiende como una mancha de aceite entre los jóvenes y no tan jóvenes, posibles espectadores presentes y futuros. Y sin espectadores no hay futuro que valga para ninguna disciplina escénica. Y eso significa, que el género tiene que renovarse o dejarse morir.

Si hay un teatro que ha apostado por la renovación, sin olvidarse de que también existe un público que quiere ver y oír lo de siempre y como siempre, es el Palau Les Arts Reina Sofía de Valencia. Y eso se nota en su programación, considerada por los que entienden de esto como la mejor programación operística en España.

Algo que se pudo comprobar en el estreno de una nueva producción de Salome de Richard Strauss el pasado sábado. Donde se concentraron profesionales de la música y profesionales de la crítica musical y operística venidos de todas partes de España. Además de aficionados, que llenaron el teatro. Aficionados locales y, también, venidos de fuera.

El reclamo es la propia ópera, considerada un hito en el género por el uso de la música para hacer que suene el caprichoso deseo que mueve a los seres humanos. Ese deseo trágico que supera cualquier norma moral y que lleva a la transgresión y con ella a la perdición de los cuerpos y las almas.

Hay que explicarse. Salomé, la protagonista, es una guapísima princesa que enardece el deseo amoroso de los hombres. Desde el de Herodes, su padrastro para sufrimiento de la esposa de este y madre de aquella, a la soldadesca y el resto de la corte.

De todos menos de uno, que resulta que es el que enciende el deseo de ella. El profeta Juan Bautista o Jochanaan, que es como se le llama en la ópera. Un ser sucio, demacrado, pálido, más que nada porque está encerrado en la peor mazmorra posible, una profunda y oscura cisterna, y maltratado por denunciar, por un lado, el libidinoso y sucio matrimonio entre Herodes y la madre de Salome, y, por otro, por anunciar la presencia de Jesucristo entre los hombres y sus milagros.

Pues bien, la voz y los labios rojos de ese ser sucio y maloliente, hacen que la princesa se enamore hasta las trancas, haciendo verdad la premisa del programa Naked Attraction, que Marta Flich presenta en DKiss. Es decir, que lo primero que atrae es el cuerpo y luego, ya si eso, la personalidad, la forma de pensar, etcétera.

Así que ella intenta besarle esos labios que la tienen loca y tocar ese cuerpo delgado, algo que no suelen ver los espectadores porque los cantantes que tienen la voz para interpretarlo suelen tener otras características corporales, y que ella ve de marfil. Pero él no consiente, lo rechaza extrañado y sigue a lo suyo, que son las profecías y el relato de los milagros de Jesús.

Por tanto, cuando su padrastro le pide que baile para él y para sus invitados asegurándole que le dará lo que le pida, ella cede. Su objetivo es que le dé la cabeza del Bautista en bandeja de plata y poder besar sus labios rojos.

Quien no conozca la historia o la ópera y quiera saber si lo consigue o no y las consecuencias tendrá que leerse los Nuevos Testamentos, verse algún que otro peplum o ir a Les Arts. En este teatro de ópera se va a encontrar con una producción bien actual, nada que ver con los montajes anteriores que ahora se ven casposos y antiguos. Claro que el director de escena es Damiano Michielleto, el que escandalizó al todo Madrid, operístico, por vestir a Madama Butterfly con una camiseta de Hello Kitty y contarla como una historia de turismo sexual.

No hay de qué preocuparse. En esta producción todo es mucho más exquisito, más top. A lo que contribuye que sea menos sangrienta que la producción original que se estrenó en el Teatro alla Scala de Milán.

Una producción llena de referencias al arte religioso, como si de un concierto de Rosalía se tratase, en el que el corderillo preparado para el sacrificio del cuadro Borreguillo de Zurbarán que se puede ver en el Prado es la más evidente. Donde también hay ángeles, esta vez ángeles negros, de mal presagio que se mueven por esa sociedad, que, como la Dinamarca de Hamlet, también está podrida de deseos.

En la que se ha salvado de forma muy inteligente la danza de los siete velos. Evitando la forma clásica de representarla, en la que la cantante canta mientras una bailarina baila y se va desnudando. Aquí la cantante, en combinación negra, se mueve sensualmente por el escenario de una manera que no la impida el canto, mientras es rodeada por varios hombres, trasuntos del rey Herodes, vestidos de traje de forma acechante y deseante. Son ellos los que bailan al ritmo de esta mujer que no ha dejado de ser la niña caprichosa que fue en su infancia y que el amor de Herodes alimentó para desgracia de su madre.

La puesta en escena está llena de estas sutilezas, que en realidad son muy directas, que por desgracia no se acompaña de las mismas intenciones en el foso. James Gaffigan, el director de orquesta, consigue que funcionen las partes más intimas y menos instrumentadas de la partitura, pero falla al atacar las partes más potentes, con más instrumentación. Da la sensación que se confunde potencia sonora, incluso distorsión y disonancia, con sonar más fuerte y más alto.

Si eso pasa en el foso, no ocurre lo mismo en el escenario. El elenco canta bien y no se desempeña mal en la parte actoral. Y, aunque en el post-show por los pasillos se comentaba que el triunfador de la noche fue el cantante Nicholas Brownlee en el papel de Jochanaan, lo que era evidente es que la soprano lituana Vida Miknevičiūtė entiende y sabe cantar la Salomé que se ha creado en el encuentro de Strauss, Gaffigan y Micheletto. Consiguiendo que su voz y su presencia vayan agrandando cada vez más el pozo oscuro del deseo que mueve a su personaje.

Un deseo muy juvenil y actual, porque yo lo valgo. Un deseo infantilizado el de las sociedades actuales, que se cree y se vive ilimitado, en el que gracias a Tinder y OnlyFans se consumen cuerpos, los de otros quiéranlo o no. En esta situación ¿dónde queda la espiritualidad que canta Jochanaan? ¿Es por eso que tantos artistas del mainstream la están buscando públicamente? ¿No es un tema realmente actual Timothée Chalamet?