'RENT', amor, arte y sueño americano en tiempos de emergencia habitacional

El estreno en el Teatro Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa de una nueva producción de RENT, musical que cumple treinta años, pone de manifiesto que el problema de la vivienda no es nuevo.

De haberse fijado en lo que pasaba en los años ochenta en Nueva York, se podría haber previsto lo que se nos venía encima y llegaba para quedarse. No hay que olvidar que una de las claves del triunfo de Zohran Mamdani, el nuevo alcalde de esta ciudad, es el haber prometido dedicar parte de su gestión a resolver el grave problema habitacional neoyorkino.

Pues bien, esta obra se fija en tres jóvenes que, como muchos otros, se trasladan a la gran urbe para triunfar. Jóvenes con veleidades artísticas a las que la ciudad les ofrece, para empezar, una vida en precario que ni les da para pagarse una vivienda. Menos mal que se han hecho amigos de uno que les deja un piso gratis. Eso sí en un barrio chungo, con mucha droga corriendo por las calles, altos índices de criminalidad y pobreza.

Un lugar lleno de esos garitos que los padres de los protagonistas, de clase media alta, o alta, no son capaces ni de imaginar, excepto como una película de terror, y menos acudir. Barrios donde hacen llegar su voz gracias a los teléfonos y a los contestadores. Considerados fuera de toda la ley y orden, por lo que se convierten en refugio de minorías, raciales o sexuales, disidentes políticos perseguidos, diferentes y de cualquiera que no tenga suficiente dinero para vivir en otro barrio.

Lugares en los que la epidemia de sida se cebó especialmente, por los hábitos, pero también por la falta de un sistema sanitario universal en Estados Unidos que proveyese de diagnóstico, control de linfocitos T y tratamiento con AZT, la medicación que había en ese momento solo disponible para quien se la pudiera pagar.

Pues bien, el amigo cambia de opinión. Y en plena Nochebuena les pide el alquiler, igual que se lo sube al resto de inquilinos del edificio, que también le pertenece, a sabiendas de que nadie lo puede pagar. Así que todos se niegan a asumir el pago y se organizan para protestar. Protestas en las que tienen el apoyo del resto del barrio y de los movimientos sociales de la ciudad y la atención mediática de la televisión cuando no existía el streaming, los memes y los reels para evadirse de la realidad.

Las consecuencias, lo mismo que ahora, son acciones judiciales, seguidas de policías ejecutando desahucios en plena Navidad. Por si a alguien piensa en las imágenes vistas recientemente en televisión, se recuerda, como ya se ha dicho, que esta obra tiene treinta años.

¿Es posible el amor, la amistad, los sueños y la creación artística en ese contexto de pobreza, drogas, compromiso político y rock and roll? Según este musical, lo es. Como también lo es el sueño americano para aquellas personas con talento y suerte, que sepan como atraer las miradas del prime time televisivo. Aunque el contexto, se quiera o no, lo dificulta bastante. Más cuando las drogas se las ponen a los vulnerables y a los adictos literalmente a la puerta de casa, el sida o cualquier otra enfermedad que no se pueda tratar acorta la esperanza de vida, o cuando se retrasa la oportunidad para salir del agujero y hay que resistir.

Con estos mimbrea, el musical se vendió como si fuera una versión rockera de la ópera La bohème de Puccini. En honor a la verdad, hay que decir que se parecen mucho, pues las dos suceden en ambientes bohemios y artísticos. En ambas hay una Mimi afectada por la pandemia de su época, en La bohème es la tuberculosis y en RENT es el sida. Y tienen muchas escenas parecidas. Como la forma en la que se conocen y enamoran Mimi y Roger. O la escena del restaurante, en la que piden de todo sin saber cómo y/o quien lo va a pagar. Tópico de La vie bohème que cantan en escena. Hay muchas más que no merece la pena enumerar.

Ambientes que para el compositor suenan a rock. Por eso en escena la orquesta ha sido sustituida por una banda con guitarra, bajo, teclados y batería a la orden del experimentado César Belda. Un espíritu rockero que no siempre está presente en cómo interpretan la música y que sería interesante que lo cogieran, se desatasen y se lanzasen a la pista.

Espíritu que también condiciona la forma en la que se deben cantar las canciones. Hechas para hacerlo en un estilo garajero que estuvo tan de moda por aquella época. Que combinado con la música, en el estreno en los noventa se vio como una opción de atraer a los jóvenes hacia los musicales. Una juventud que estaba fascinada con los videoclips de la MTV .

Esta música añadida a que la nueva producción prima antes las escenas o números, que el conjunto y sus arcos dramáticos, hacen que, por momentos, se tenga la sensación de asistir a un concierto antes que a un musical. Una impresión que se potencia por la presencia en una esquina como una especie de pirámide hecha de televisores vintage, en la que se proyectan acciones que se están viendo sobre las tablas. Lo que hace que el interés fluctúe en función la canción y de cómo se resuelva su puesta en escena y quién la cante.

En este sentido, Carla Pulpón, tiene un momentazo como Maureen. Una escena en la que representa una performance sobre una vaca lechera para protestar por el desahucio, cuya relación con la situación del desahucio no está bien contada. Momento en el que despliega una energía y un saber manejar al respetable, como lo hacían las vedettes de la revista y como lo hacen las estrellas de rock. El problema es que esta energía, que la escena anterior pide, la mantiene en todas y cada una de sus apariciones. Sin moderarla en función de lo que se suceda en la escena. Lo que hace que su personaje caiga en muchos momentos en la caricatura.

Muy diferente de la manera que Adrián Amaya interpreta Angel Dumott Schunard. No hay duda que Angel es Angel siempre que sale a escena. Pero dependiendo del momento Adrián es capaz de adaptar su forma de ser en el escenario a la situación y al contexto. Y, entre que el personaje es una perita en dulce y él lo sabe modular, todas sus escenas funcionan. Incluso cuando al final lo convierten en un ángel de verdad.

Por otro lado, el hecho de que esté pensado como un concierto podría explicar el que puede que sea el mayor error de esta producción: el vestuario. Es una pasada y sería estupendo para una larga gira de conciertos multitudinarios. Desde la butaca parece la ropa de los japoneses de Comme de Garçons o de los vanguardistas diseñadores belgas. En el estilo dirty chic que fue tan popular hace unos años. Pero no sirve para vestir a los habitantes de este barrio, que como se cuenta en la obra, lo hace con ropa de cuarta mano que alguien tirado vende por la calle y la saca de una bolsa de supermercado diciendo que no está muy perjudicada.

Sí, RENT sigue teniendo cosas que contar a una sociedad como la nuestra. Pero para eso que cuenta, necesita que, además de por escenas, se trabaje la transición entre ellas y los arcos dramáticos de los personajes. Y que se tenga presente el detonante de la historia, el rechazo a pagar el alquiler, que a medida que sucede la historia se diluye o, directamente desaparece.

También se necesita mirar de otra manera, como supo hacer Jonathan Larson, el compositor, libretista y dramaturgo de esta obra, quizás porque, hasta que dio el pelotazo, vivía en el precario Nueva York en el que sucede este musical. Eso es lo que le permitió escribir canciones como es Season’s Love (Tiempos de amor). La canción que pide medir los años en términos de amor, porque es la manera en la que merece la pena medirlos.

El amor que se da y se recibe. Que, en definitiva, es lo que canta este musical, y que es lo que condiciona el compromiso de estos niños bien con aspiraciones artísticas. Un compromiso con el lugar en el que viven y la gente que conocen, aman y con la que crecen, no financieramente, pero sí como personas, como seres humanos. Un crecimiento que al final será la causa de su éxito.